写实绘画VS照相机（五）写实绘画和摄影的区别

“写实”这个词诞生的时候，照相机还没有普及，而“抽象”这个概念基本上和“照相机”是同一时期诞生的。

如果你观察照相机诞生之前的所有绘画作品，就会发现它们无一例外都是“写实”的。

因为古代的人根本没有“抽象”的需求。

照相机诞生之前的所有绘画作品，无一例外都不是“照相写实”，因为古代的人根本没见过“照片”啊。

这里有一个非常重要的但是最容易被忽略的问题：古代的人没见过照片，他们就想象不出照片的样子。

为什么呢？照片跟人眼看到的不是一样的吗？

问题就在这里，注意敲黑板了！

照片跟人眼看到的是不一样的！

照片跟人眼看到的是不一样的！

照片跟人眼看到的是不一样的！

人眼获得信息的能力，是任何其他手段都不能代替的。

现代人从小就看照片，会产生一种错觉，觉得照片跟我们肉眼看到的是一样的。

或者有些比较理性、懂些摄影原理的人认为，随着技术发展，照片会无限趋近于人眼看到的结果。

当然，无论人眼还是照相机，其获得信息的本质都是特定波长的光。

但是请注意，“光”不是对象的全部，更不等于“真实”。关于这一点请参看前文。

先记住这一点，再继续谈照相机和人眼的差别。

如果仅仅讲到最基本的成像原理，那么照相机和人眼确实有共通之处，但是差异更大。

首先，在可见光中，人眼对色域的感知能力要远远大于照相机。
但同时，人眼无法感知到可见光之外的光（废话，要不怎么叫“可见光”呢），但机器可以。

所以从视觉来讲，我们进一步缩小了“真实”的范围。
我们看到的不但只是“光”，而是只是“可见光”。

请注意，照相机获得”可见光“信息之后，必须要再次重现给人眼才有意义。

这句话是什么意思？就是说，你光拍了照片是没用的，你需要用屏幕或者打印机或者相纸……等等这类介质，把照相机获取到的可见光信息再现给人眼，才能谈得上”真实“。

所以仅仅提高照相机的像素还远远不够，最难的是捕捉更广的色域，以及用什么介质才能将捕捉到的可见光还原给人眼。

那么照相机和人眼的差距仅仅是色域或精度吗？当然不是，这只是最浅显的差距。

其次的差距，在于获取信息的时间。

照相机获取的是瞬间的光。在光圈打开的那1/800秒之前或之后的信息，照相机都会当作不存在。

但人眼必须要持续不断的捕捉信息，不管你愿不愿意，只要你在用眼睛看东西，时间就在不断的流逝。

如果只给你1/800秒看一眼，基本上你什么也不会记住。

那么有人说了，摄像机不就可以持续捕捉信息吗？

时间带来的差异，不仅是画面的连续，更在于观察对象的不连续。

当你观察一个真实场景的时候，你会随着注意力的不断变化，实时的调整观察位置、关注的对象以及眼睛的焦距。

在这个过程中，你获取的不仅是瞬间的可见光，而是完整的场景信息。

表现在绘画上，最明显的一点就是，以前的写实油画都是不表现焦距的。

也就是说整幅画面的对象，无论在什么距离，都会被一视同仁的描绘。

为什么会这样呢？正是因为在没有照相机的时代，画家理所当然的“画哪就看哪”，而“看哪哪就清楚”，这简直是天经地义的事。

可以说，这是超写实绘画与照片写实绘画的最明显差别之一。

关于这一点，有兴趣的同学可以去看于小冬关于照相写实的录播课程：

除了实时“变焦”之外，摄像机也无法弥补色域差异，以及接下来的第三个重要差异：空间感。

熟悉美术史的人一定对“立体主义”不陌生。

布拉克和毕加索当时正是认为传统的单点观察不够“写实”，才搞出了立体主义。

而立体主义的前身是塞尚的“多点观察”。

这些艺术家不约而同的意识到了一个严重问题：即在一个固定的点观察对象，所获取的信息是片面的，也就是不够“写实”。

但是在今天熟悉照相机的很多人看来，塞尚或立体主义的作品，反而是跟“写实”背道而驰的。

造成这种误解的关键原因，就在于熟悉照相机的现代人和当时只用肉眼观察、用大脑思考的艺术家，对于“真实”的理解是不同的。

因为很多现代人一提到“写实”，就先入为主的跟照片去做比较，其实是一种本末倒置的思维方式。

对我们人类来说，“真实”本来是十分丰富而复杂的，绝不是靠机器能代替人类捕捉的，因为除了以上三点生理（物理）上的差异之外，还有最重要的一点：心理。